Comment ne pas presser en live ?

[fritz]

J'ai pas mal progressé en détente quand je joue live à force de répéter l'exercice mais il y a un point qui bloque toujours et sur lequel je n'arrive pas à progresser comme je le voudrais : je presse les parties rapides (typiquement le dernier mvt de la K332 que j'ai pris trop vite pour mes moyens ce we). Je pense qu'il faut y travailler à la maison quotidiennement et aussi in situ. Ce que je fais pour le moment :

- in situ : tâcher de bien respirer par le ventre, décontracter au maximum épaules, bras et poignets, me chanter intérieurement quelques mesures à un tempo sur lequel je suis en contrôle. Malgré tout ça rien n'y fait, dès les premières notes je pars trop vite ...

- at home : à vrai dire je n'ai pas vraiment de stratégie systématique, certains conseillent de toujours sortir le métronome, d'autres le déconseillent parce que ça tuerait la pulsation intérieure, du coup je bosse de temps en temps au métronome en faisant quelque chose du type une fois à la moitié de la vitesse cible, puis 2/3 puis à vitesse cible sans métronome. En terme de proportion je dois m'y astreindre une fois sur trois. Faut-il le faire plus souvent ? Vous voyez d'autres choses à mettre en place ?

[nox]

Excellente question !

Ce qui marche à peu près pour moi, c'est de me concentrer sur l'accompagnement, voire même le faire ressortir.
Du coup je me vautre quand même, mais au tempo

[Durtal]

Alors, bienvenue au club.

Je te donne une petite ficelle, bien que je sois moins avancé que toi

J’ai remarqué, lorsque je joue ce genre de passage au métronome, que j’ai toujours l’impression que le métronome ralentit. Donc, pour ne pas presser, je crois qu’il faut se forcer à « ralentir » et obtenir ce même effet dans sa tête. J’ai déjà testé : ça marche.

[Aurele27]

Alors, bienvenue au club.

Je te donne une petite ficelle, bien que je sois moins avancé que toi

J’ai remarqué, lorsque je joue ce genre de passage au métronome, que j’ai toujours l’impression que le métronome ralentit. Donc, pour ne pas presser, je crois qu’il faut se forcer à « ralentir » et obtenir ce même effet dans sa tête. J’ai déjà testé : ça marche.

C’est exactement ce que je fais aussi.
Ça ne marche pas à 100 % en live mais ça permet d’améliorer un peu. Et à force on arrive aux 100 %.

[fritz]

Du coup je me vautre quand même, mais au tempo

Alors ce n'est pas la réponse que j'attendais mais merci d'avoir participé

[Abegg63]

Même chose que Nox… sauf que lui ça ne s’entend pas quand il se vautre…
Le travail de métronome ou de comptage à très haute voix m’aide mais ça ne m’empêche pas d’accélérer quand même.
Ce qui fonctionne du moins pour les oeuvres classiques: Mozart etc…
C’est de prendre le passage qui doit être joué rapide et sur lequel on sait qu’on va accélérer.
On joue la main gauche au métronome et au tempo en disant en chantant la main droite sans la jouer.
Du coup on prend le temps de bien tout articuler et pour moi en tout cas ça limite les catastrophes.

[poppotame]

Excellente question !
Je suis preneur de tous les conseils qui passeront par ici !
Perso, je n'ai toujours pas trouvé de solution qui fonctionne pour moi.

[Spianissimo]

Alors pour ma part j'ai un peu ce problème mais en sens inverse, c'est à dire que je joue toujours trop lentement...et même sur les parties rapides.... Je sais qu'il me faut forcer le naturel pour être à tempo correct, donc, je joue "trop vite" dans ma tête....et ça fonctionne souvent, je me rends compte à la réécoute que je suis au bon tempo alors que j'ai forcé la vitesse au moment de l'exécution. Peut-être qu'il te faut simplement te forcer mentalement à ralentir pour être au bon tempo sur ces passages rapides....une simple prise de conscience au moment de l'exécution peut fonctionner il me semble, pour çelà, il faut être détendu et garder un peu de concentration pour se focaliser sur ce point particulier.

[nox]

Blague à part, je pense qu'il n'y a pas de réponse universelle.
Ca dépend de l'oeuvre, du passage, de la difficulté et de la maturité du travail.

Mais le fait d'accélérer est souvent le témoin d'un manque de maîtrise du passage, qui empêche de penser chaque note à sa juste place. Et c'est souvent parce qu'on a tendance à se concentrer uniquement sur une difficulté précise au détriment du reste (accompagnement notamment). Il faut s'obliger à travailler en se concentrant sur toutes les parties, sur toutes les notes. Un travail très lent, et avec des rythmes, ça peut aider. Les rythmes parce qu'ils nous obligent à décomposer de manière peu intuitive et habituelle, et à marquer un arrêt sur des notes sur lesquelles on ne s'attarde jamais.

Bref, tout cela rejoint un peu mon conseil précédent

[PatrickAllain]

Que pensez vous de jouer en debut de session quelque chose de tres facile, de tempo lent voir très lent , histoire de se calmer en debut de répertoire, pour aborder ensuite plus sereinement les morceaux qu'on souhaite vraiment jouer correctement, pas trop vite?

Chez moi j'utilise aussi régulièrement le métronome (je sais. c'est mal.. ) pour me calmer et ajuster mes vitesses dans certains morceaux

patrick

[nox]

Pour ma part je sais que le stress va arriver/revenir quand je vais voir arriver le morceau difficile.

Ceci dit il y a une chose qui joue beaucoup : le fait d'avoir pu jouer/répéter sur le piano du concert, et de se familiariser avec l'acoustique. Sinon on peut mettre du temps à reprendre ses repères.

En ce sens l'idée de commencer par quelque chose de bien ancré est une très bonne idée

EDIT : c'est d'ailleurs LE gros problème du CGAP...On débarque dans une acoustique inconnue, sur un piano inconnu, avec le stress, et il faut envoyer en 10min quelque chose d'assez costaud pour se projeter jusqu'en final. Quasi impossible pour des pianistes réellement amateurs qui n'ont pas l'habitude de se produire tous les mois dans des conditions variables, et qui ont donc des capacités d'adaptation quasi-professionnelles.

[F7b5]

Pour avoir pas mal joué dans un contexte jazz, j'ai pu tester plusieurs techniques pour améliorer sa perception du temps :

-> Mettre -progressivement- le métronome à des valeurs extrêmement lentes ( 1 noire toutes les 4 mesures ). Ca permet de prendre la responsabilité du tempo et d'avoir le métronome comme "check"

-> Pratiquer la "visualisation" ( ou "imagerie mentale" ), s'entrainer quotidiennement à jouer le morceau dans sa tête, en essayant d'avoir la même perception que lorsqu'on joue. Si on peut entendre le morceau dans sa tête au bon tempo, c'est plus simple de le jouer au bon tempo.

-> Contre le stress, un petit rituel peut faire du bien. Pour ma part, j'avais pris l'habitude de méditer 5/10 minutes tous les matins en face du piano, sur le siège.

En combinant ces éléments, j'ai l'impression qu'on développe une meilleur conscience de ce qu'on joue et de ce qu'on souhaite jouer, et que ça aide à se rappeler du tempo de départ lorsqu'on est au milieu de la performance etc..

Bon courage!

[fritz]

Merci pour tous ces conseils ! J'ai un peu testé le fait de chanter la md en jouant la mg et ça semble fonctionner pas mal. Compter la pulsation mentalement c'est pas mal non plus mais c'est compliqué de se concentrer sur la musique en même temps, certainement une habitude à prendre, il faut que j'essaye la version à voix haute. Enfin bon tout ça c'est à la maison avec ma chienne comme public !

[EusebiusLesage]

Ce genre de problème peut être multifacteur et dépendre au cas par cas des situations. Deux exemples qui me viennent en tête et qui appellent des solutions différentes:

_Une faiblesse dans la technique qu'on arrive à masquer à la maison mais qui ressort sur scène et va provoquer un effet de savonnage du passage, là dans ce cas la solution est un travail sur le point technique en question

_Inversement on peut avoir une technique qui tient la route mais la sensation de pulsation perturbée par le stress ou l’appréhension d'un passage dans ce cas là c'est plus un travail sur la stabilité de la pulsation à mener.

Bref je n'ai pas de recette miracle mais je rejoins ce qui a été dit précédemment, je précise ma sauce à moi pour les mettre en oeuvre.
Des choses qui permettent très vite de se rendre compte qu'on ne maîtrise pas un passage aussi bien qu'on le croit sur tout ses paramètres :

_Dire le nom de notes à haute voix en jouant (avec un métronome derrière dans un premier temps), la clarté et la régularité d'un passage passe souvent par la capacité à le dire clairement et régulièrement. Un test de vérité avec cette approche c'est de dire les notes à haute voix de l'accompagnement et pas la ligne principale, typiquement si le trait est à la main droite dire à haute voix les notes de la main gauche (tout en jouant les deux bien sûr), non seulement ça va forcer à rendre l'accompagnement plus stable et plus conduit mais on se rend vite compte à quel point le trait finit par occuper tellement de place qu'on ne dirige la musique que par lui alors qu'il faut garder un œil sur tous les paramètres en même temps. De manière générale porter l'attention sur les éléments stables et réguliers (par exemple dans un trait d'un nocturne de Chopin contrôler le flux par la main gauche pour qu'elle bouge le moins possible)

_Compter les temps à haute voix en jouant. C'est un peu une variante du premier mais plus orienté sur la pulsation (idem avec le métronome au début). Pour que ce soit efficace essayer de le faire ainsi : "gueuler" les temps, vraiment le but c'est d'ancrer fortement la pulsation dans le corps il ne faut pas y aller timidement avec des indécisions ou des doutes. Quand vous gueulez vos temps dites les chiffres de manière très brève, comme le clic du métronome et pas sur une sorte de monodie qui connecte les chiffres genre UNNNNNNNNNN-DEUUUUUUUUUUUUUX-TROIIIIIS.... mais vraiment des trucs brefs 1! 2! 3! etc. et cette diction dynamique ne dois pas perturber le mode de jeu il faut vraiment dissocier les choses. C'est tout l'enjeu de la pulsation interne, elle doit être extrêmement forte et stable quoiqu'il arrive autour.

Je valide l'idée précédente pour le métronome de l'utiliser progressivement sur des périodes plus longues pour s'assurer qu'on tient la pulsation sans lui.
D'ailleurs de manière générale au cas où ça n'est pas clair, il ne faut pas jouer "en s'appuyant" sur le métronome, c'est un risque fréquent qui n'aide pas à stabiliser quoique ce soit. Il faut avoir une forte pulsation interne et le métronome n'est qu'un outils de contrôle pour voir quand on en dévie. Le piège quand on joue avec un métronome, ou un groupe avec des percussions ou une battrerie, c'est de déléguer le travail de pulsation à la percussion et de l'utiliser comme une source externe de pulsation en se laissant porter, c'est ce qu'il faut éviter pendant le travail si on veut stabiliser les choses.

_Ne pas uniquement travailler le passage de manière isolée parce qu'on finit par en faire un objet à part déconnecté du reste et du coup on lui fait un sort particulier quand il arrive dans la pièce dans son ensemble, donc régulièrement le remettre en contexte avec les mesures d'avant et d'après pour stabiliser l'entrée et la sortie du passage en question.

Voilà ce qui me vient en tête comme ça là.

[Pos]

Merci pour ce sujet qui nous concerne tous.
Déjà beaucoup de réponses et de technique données ici.
Mon prof avait un côté fataliste en me donnant son conseil :
« Puisque tout s’accélère en situation de stress, ton cœur, la perception du temps, joue ton morceau très lentement quand tu es sur scène, il sortira à vitesse normale »

Pour le maintien et la sensation de pulsation, il m’a dit de me balancer, de façon grotesque au départ mais au fur et à mesure de la maturation du morceau on réduit le mouvement tout en sentant physiquement la pulsation. Impossible de varier le tempo avec ça. Bon dans le cas d’une prise de tempo trop rapide en situation de stress ça ne peut marcher que si on accélère pas non plus le mouvement en situation de stress….

[nox]

Je crois que c'est Neuhaus (ou Richter ?) qui disait : il faut travailler les morceaux plus vite et plus fort que ce qu'on souhaite. C'est la seule manière de tenir la route en concert (citation approximative).