Comment développer la musicalité?

[blyssou]

A partir d'un certain niveau, la musicalité vient en s'affranchissant de l'expression "jouer du piano".

Sur le plan du travail:
Pour améliorer sa musicalité, il faut beaucoup de travail. Rechercher les meilleurs possibilités sonores, de façon rigoureuse, sélectionner ce qui marche, jeter ce qui ne marche pas. Le jour de la prestation, il faut dans la concentration restituer au mieux ce que l'on a enclenché. La grande difficulté, lorsque la pièce a été ainsi disséquée, c'est de toujours trouver du plaisir à jouer la pièce, et réussir à se surprendre soi même. Pour cela il faut prendre des risques, se distancer un peu de la pièce pour "la redécouvrir" et ainsi permettre de rendre naturel, quelques choses qui ne l'est plus du tout...
Sur le plan du piano:
Il va de soi, même si le piano ne fait pas le pianiste, que l'on ne peut pas aller au dela d'un certain niveau si le piano est mauvais ou s'il n'est pas accordé/entretenu correctement.
Sur le plan du psychisme:
Il faut savoir mouiller sa chemise, et donner une prestation sincère, sans pudeur. Pas forcément facile, surtout devant un public d'inconnus.
Sur la philosophie:
A un certain niveau, il faut beaucoup d'humilité devant son instrument, le travail d'écriture que l'on essaye de s'approprier, pour jouer une pièce "qui ne nous appartient pas".

Les meilleurs arrivent a faire tout cela, mais avec tellement de contrôle technique et de travail, qu'ils peuvent en plus opérer "des variations" de prestations en prestations, plus ou moins improvisées, en piochant ca et la parmis toutes les combinaisons possibles, ce qui leur fait plaisir a un moment donné.

Je ne dis pas qu'il faut être mécanique, mais qu'il faut etre systématique tout en laissant croire, que tout est naturel.

[quazart]

A partir d'un certain niveau, la musicalité vient en s'affranchissant de l'expression "jouer du piano".

Je crois que tu parles plutôt d'interprétation, à mon sens ce n'est pas la même notion. C'est un vrai travail, je pense que tout le monde doit être d'accord là-dessus.
La musicalité c'est autre chose, c'est la faculté qu'une personne a de donner vie à ce qu'elle joue, à se l'approprier. c'est
C'est une aptitude qu'on remarque très vite quelle que soit la qualité technique du jeu, déconnecté de tout travail.
Je peux imaginer qu'un interprète dénué de musicalité arrive à produire un résultat correct à force de travail et d'imitation de ce qu'il a entendu.
Je ne pas du tout certain que ça existe vraiment, mais ça me semble possible.
Mais ce n'est que mon avis.

[Oukee]

A partir d'un certain niveau, la musicalité vient en s'affranchissant de l'expression "jouer du piano".

Je crois que tu parles plutôt d'interprétation, à mon sens ce n'est pas la même notion. C'est un vrai travail, je pense que tout le monde doit être d'accord là-dessus.
La musicalité c'est autre chose, c'est la faculté qu'une personne a de donner vie à ce qu'elle joue, à se l'approprier. c'est
C'est une aptitude qu'on remarque très vite quelle que soit la qualité technique du jeu, déconnecté de tout travail.
Je peux imaginer qu'un interprète dénué de musicalité arrive à produire un résultat correct à force de travail et d'imitation de ce qu'il a entendu.
Je ne pas du tout certain que ça existe vraiment, mais ça me semble possible.
Mais ce n'est que mon avis.

Oui, la musicalité émane de l’interprétation, et s’avère extrêmement subjective, alors que les possibilités en matière de choix d’interprétation doivent respecter des contraintes (le texte) au contraire très objectives.
Je ne crois pas que la musicalité s’apprenne : c’est un talent rare qui me fait revenir régulièrement vers tel ou tel artiste (exemple récent : Gould dans le concerto no4 de Beethoven). En tout cas, la musicalité passe obligatoirement par un beau touché.
En revanche, si l’interprétation est hors sujet, je ne me pose pas la question de la musicalité, qui devient de fait un non-sujet.
Et puis à la base de tout cela, il faut quand même jouer les notes.

[Christof]

Concernant ta question Carla, je pense que tous les points important figurent ici, dans les deux livres qu’a écrits Kenny Werner (hélas en anglais).
viewtopic.php?p=442131#p442131

Pour ma part, j’y ai trouvé une richesse extraordinaire, un chemin formidable. Ce sont d’ailleurs deux ouvrages que je relis régulièrement. Et à chaque fois, parce que j’ai aussi évolué au piano (ou dans ma vie), entre temps, j’y trouve encore plus de substance, et ce dont il parle m’apparaît de plus en plus profondément.

Je serais d’ailleurs curieux de savoir combien nous sommes dans ce forum à avoir lu l’un ou les deux de ses ouvrages (je pense en connaître déjà trois).

J’y ai souvent fait allusion, d’ailleurs dès mes premiers messages lorsque j’ai rejoint ce forum.
Flober avait aussi notamment indiqué cette piste en réponse à un sujet où les pianistes évoquaient la perte des moyens à cause du trac. Nous avons d’ailleurs souvent échangé tous les deux (par visio) sur nombre de sujets que Kenny Werner a pu aborder (notamment en ce qui concerne l’improvisation spontanée).
Pour en revenir au trac, qui semblerait-il est un leitmotiv récurent dans le forum, ce qui me paraît incroyable c’est que le message de Flober (très affirmatif en conseillant comme antidote à ce trac la lecture du livre de Kenny Werner) n’a semblé finalement susciter presqu’aucun désir dans ce fil de la part des pmistes de vouloir en savoir plus (mais peut-être me trompe-je et que beaucoup parmi-vous se sont renseignés ensuite, voire ont acheté le livre). Et si oui, j’aimerais alors connaître leur avis après lecture de l’ouvrage et visionnage de la vidéo que Flober avait indiquées.

L’interprétation rejoint aussi la manière d’être complètement soi en jouant, tout en tenant compte des indications données par le compositeur. Être absolument dans la création (ce qui sous entend aussi la maîtrise de la maîtrise). Et celle ci passe aussi obligatoirement par le spirituel (mais bon, il faudrait alors expliquer tout le bouquin).
Les livres de Kenny Werner traitent beaucoup de nos blocages.
On trouve cela très important de « bien jouer ». De savoir « bien interpréter «, d’être « musical » (sinon cela veut dire qu’on n’est pas bon, qu’on n’a pas le truc comme c’est dit dans les précédents messages.... sauf que lorsqu’on pose en toile de fond ces aspects négatifs, c’est qu’on est très loin de l’essence de soi, complètement manipulés par notre ego et la pression qu’on a eu depuis tout petit de « faire bien », de se juger en fonction de cela, de se comparer.

Cartman a soulevé un des points très important dès sa première réponse à ton message, qui concerne le lâcher prise.
Je pense que Kenny Werner explicite profondément ce qu’est le lâcher prise. Et tout est en fait un problème d’ego.

Les livres de Kenny Werner traitent à mon avis de tout ce qui est dit bout à bout dans les différents messages générés par la discussion dans ce fil, regroupant finalement tout cela dans un essentiel, englobant, qui rejoint totalement le corps et l’âme, et la pure notion d’instant présent lorsque l’on joue (ce serait long à expliquer, lisez ces livres).

[blyssou]

A partir d'un certain niveau, la musicalité vient en s'affranchissant de l'expression "jouer du piano".

Je crois que tu parles plutôt d'interprétation, à mon sens ce n'est pas la même notion. C'est un vrai travail, je pense que tout le monde doit être d'accord là-dessus.
La musicalité c'est autre chose, c'est la faculté qu'une personne a de donner vie à ce qu'elle joue, à se l'approprier. c'est
C'est une aptitude qu'on remarque très vite quelle que soit la qualité technique du jeu, déconnecté de tout travail.
Je peux imaginer qu'un interprète dénué de musicalité arrive à produire un résultat correct à force de travail et d'imitation de ce qu'il a entendu.
Je ne pas du tout certain que ça existe vraiment, mais ça me semble possible.
Mais ce n'est que mon avis.

Je vous rejoins partiellement. J'ai commencé par " quand on a atteint un certain niveau" car le sujet traitait ici de "comment développer" sa musicalité, Je partais du principe que le fond musicien était là pour "faire des choses jolies". Mais je suis plutot d'accord avec Oukee lorsqu'il dit que la musicalité émane de l'interprétation, le niveau au dessus disons, plutot qu'une chose dissociée comme vous le sentez. On peut interpréter en étant nul en musique, mais on ne peut pas être bon en musique sans être capable d'interpréter. S'il n'est pas correct de dire que la musicalité, c'est le controle, disons que c'est la canalisation intuitive des libertés. Mais l'intuition n'étant qu'une manifestation de l'intelligence à flux très rapide, on en revient à l'idée que la musicalité est le fruit d'une construction raisonnée, et les constructions ont toujours besoin de fondations. Celles que j'ai compris a ce jour, sont citées dans mon messsage. Il y en a d'autres bien sur, si je les avais toutes je serais pianiste D'ailleurs, a-t-on déjà vu un pianiste avec un QI d'huitre?

[celime]

Résultats de mon intuition d'amateur, je vous propose quelques pistes, sans garantie...

- Si c'est possible, je pense que chanter la ligne mélodique permet d'améliorer sa musicalité. Trouver le message, cerner les consonnes et les voyelles de la musique, l'articulation.

- Etre musical, n'est-ce pas aussi être bon pédagogue ? Ne joue-t'on pas pour communiquer le sens, pour rencontrer la sensibilité des autres, sinon celle d'une entité supra-naturelle ? Ainsi, très fort désirer communiquer le sens musical devrait améliorer la musicalité.

- Les exercices à vocations mécaniques détruisent -ou du moins émoussent- la musicalité. A contrario, une musicalité bien intériorisée permet souvent de résoudre beaucoup de problèmes techniques sans se dégouter du clavier. Si je pense "volubile", mon jeu sera plus serré, même si c'est en dehors de mes compétences techniques habituelles. Eviter les exercices stériles permet de capitaliser son potentiel de musicalité. (Non, ne me tapez pas!)

- Pour la "grande ligne", il faut distribuer l'énergie pour bien préparer les climax et les parties plus intimistes. Avoir une approche scénaristique d'une partition me semble intéressant (Analyse).

- Déjà dit: Ecouter beaucoup de musique de qualité.

Etc.

[Carla Rocío]

Toutes ses réponses, génial, quelle richesse!!

Je les relirai plus en détail pour les pistes concrètes mais en gros: aimer, sensualité, sensibilité, mystère inhérent de la vie dans la musique, horizontalité à partir de la verticalité (donc intention), chanter de l’intérieur, jouir de l’écoute de bons interprètes, entrer dans le monde et la culture du compositeur.. etc

@juju: ça me rappelle quand mon ancien prof m’avait dit, pour interpréter l’intermezzo 117/2 de Brahms, qu’il était dépité en composant de truc (je cite texto:) parce qu’il était devenu vieux, gros, et que la nana qu’il voulait couchait avec un autre
Je t’avoue que cette interprétation perso ne m’avait pas aidé
Mais quand le prof d’harmonie m’a dit que Bach se retrouvait souvent en prison car il était très impulsif et qu’il buvait et se battait trop, alors là oui ça m’éclaire sur l’énergie de ses œuvres.

Je me demandais comment on développe la musicalité chez un enfant mais évidemment la question est aussi pour ma pomme: je n’en manque pas quand j’en ai mais ça mange pas de pain de chercher à l’augmenter quand même non? Surtout que ça peut être très aléatoire il y a des jours avec et des jours clairement sans.

Pour les gens insensibles à la musique c’est peut-être juste une question de goût, le classique est une musique harmoniquement plus complexe et donc qui demande un peu d’initiation. En tout cas je connais personne qui n’aime pas la musique tout court.

Je penche plutôt du côté de ceux qui pensent comme Célime (pour pas dire carrément).

Par extension, j’ai même du mal à lire des bouquins sur la musique, @Christophe je garde tes références sous le coude merci, venant de toi je sais qu’elle sont excellentes. Par contre j’ai toujours pas fini ton livre de Haaron (?) sur la créativité parce qu’au bout de 2 pages je le ferme pour aller jouer

Je crois qu’il y a comme un canal direct qui passe de l’intention à l’action, un peu comme le circuit de l’amygdale : sans vouloir (ni pouvoir) donner un cours de neuropsycho, des vieilles expériences ont montré qu’on pouvait percevoir des signaux autrement que par les sens et y réagir, parce que ça passe par le cerveau émotionnel*. On réagit à des images que la vision n’a pas eu le temps de traiter, en gros.
Intuition = total autre circuit ou simplement voie plus rapide?
*le système lymbique, plus archaïque que le neo-cortex qui nous permet de planifier des trucs, mais vu qu’on y comprend plus ou moins que pouik au fonctionnement du cerveau, laissons tomber


Je crois qu’en musique y a aussi un raccourci de la sorte. Certains auront besoin de jouer telle note moins fort que l’autre et ainsi de suite travailler précisément chaque son pour rendre un effet d’ensemble, mais d’autres le feront intuitivement sans s’en rendre compte. Pourtant on perçoit la différence. Le mieux c’est d’avoir les deux bien sûr: le travail de précision pour mieux mettre en valeur l’intuition musicale. Mais pour moi l’intuition musicale doit primer, le travail au détail n’étant qu’un vernis ou au pire un palliatif.

Je suis tombée sur une vidéo de matheux dont j’ai pressenti dans une phrase un lien très fort avec ce sujet, mais j’arrive pas encore à expliquer pourquoi: la partie peut être aussi grande que le tout.
Parce que si on prend tous les nombres impairs d’un groupe de nombres infinis composé moitié de nombres paires et moitié de nombres impairs, et qu’on multiplie tous ses nombres impairs par 2, alors on obtient autant de nombres paires qu’il y a de nombres au total.. euh.. Oui je crois que c’est ça, et donc le tout (nombre total de nombres) est égal à la partie du tout (nombres paires).
Je vous mets la vidéo (4’39) c’est plus simple


Par extension on pourrait faire des parallèles et penser (j’ai pensé) que la musique ne peut se passer d’une seule note, sinon c’est tout l’équilibre qui est foutu. Et donc il faut une cohérence d’ensemble pour donner un sens à chaque petite note mais c’est surtout entre les notes que ça se passe. Cette cohérence ne peut être écrite dans le texte, elle en émane et c’est notre boulot de la reconstruire. Et c’est là qu’on touche à quelque chose de l’ordre de l’infini, qui échappe à l’intellectualisation mais pas à notre musicalité.

Je crois qu’il y a une notion dans la musique, aussi infime soit-elle mais pourtant essentielle, qui nous échappe et qu’il est vain de chercher à appréhender avec notre rationalité, qu’on ne peut pas dire en mots mais qui pourtant est au moins transmise si ce n’est pas « enseignée ». Et que c’est par là qu’on touche et qu’on est touché.

Enfin voilà c’était ma réflexion intuitive du matin…

[mh_piano]

Est-il encore permis de répondre après cette synthèse conclusion?
La question m'a fait réfléchir, et je t'en remercie. Le plus intéressant est de trouver les leviers d'amélioration, et il me semble qu'il existent, pour celles et ceux qui n'ont pas "le truc" donné au berceau.
Il y a une composante sensorielle importante, qui a déjà été évoquée : la finesse du toucher, et bien sûr l'écoute. Les profs de piano ont en général pas mal d'idée pour travailler le toucher. Et apprendre à écouter et a s'écouter peut prendre du temps. Ça peut se développer. Ce point a déjà été souligné plusieurs fois : écouter les autres, mais apprendre à écouter soi-même aussi.
Il y a la compréhension de la musique, qui si elle n'est pas instinctive, peut se développer à partir de quelque chose de plus analytique, à l'aide de métaphores (qui ne marchent certes pas pour tout le monde ), ou d'explications. C'est comme apprendre une langue étrangère: par immersion, ou par apprentissage méthodique.
Il y a le chant intérieur, et c'est peut-être plus difficile à développer. Cela me semble lié à ces notions de lâcher-prise. S'approprier la musique finalement c'est peut-être plutôt l'inverse : se laisser approprier par la musique, devenir soi-même l'instrument de la musique, être la musique au lieu d'essayer d'en faire. C'est là que la méditation est très bénéfique car on y apprend à être au lieu de faire.
Donc à mon avis il n'y a pas de cas désespérés

[Oukee]

Donc à mon avis il n'y a pas de cas désespérés

Si : à une époque, la fille de mes voisins rajoutait systématiquement un temps dans une valse de Chopin : la valse à 4 temps, ce n'est quand même pas possible....
Elle a arrêté depuis.

[Carla Rocío]

c’est fondamentalement pas pire que de raccourcir le 3e temps des valses comme on a tous tendance à faire non?

@MH c’était pas du tout une synthèse conclusion mais juste un petit grain supplémentaire au moulin

[kerry117]

Et j’ajouterais que développer sa musicalité est d’autant plus difficile pour les musiciens de « clavier » (piano, clavecin, orgue) que pour les autres instrumentistes, je m’explique. Le musicien de clavier a d’emblée un énorme handicap par le simple aspect fonctionnel de son instrument. Le geste du pianiste est vertical, on appuie sur une touche par un geste allant de haut en bas. Ce geste est à mon avis le plus anti-musical du monde. Un clarinettiste par exemple souffle dans son instrument, souffler est une action horizontale,

C’est un peu caricatural. Je dirais que le message de Cambium est de la provocation car il a testé le violoncelle. Affirmer le contraire de ce qu’il a pu constater, c’est juste inacceptable.
Je trouve déplaisant et même irrespectueux pour les lecteurs que l’on puisse se permettre de poster un contenu provocateur contenant de fausses informations.
J’ai longuement réfléchi avant de poster ce message, car j’avais annoncé mon départ, mais je le fais pour que l’on comprenne bien ma décision a bien été motivée par l’irrespect ressenti à la lecture du contenu de beaucoup de messages, pas forcément à mon encontre, par des avis tranchés qui ne peuvent permettre une saine discussion.
Je réagis par honnêteté pour les lecteurs qui ont le droit d’avoir accès à la bonne information.
@ Cambium en version courte.
Pour développer sa musicalité un pianiste peut apprendre à maitriser différentes façons d’enfoncer la touche. Selon ce qu’il veut obtenir, il pourra choisir l’une d’elles. Le jeu diffère lorsque l’on joue du Scarlatti, du Mozart, du Schumann …
Pour l’instrument à vent, pour le chant, seulement une partie du trajet de l’air est horizontal, Il me semble que la colonne d’air est soutenue par le diaphragme, donc tout le trajet de l’air n’est pas horizontal. Le soutien de la colonne d’air est primordial.
Quant aux instruments à archet, si sur certaines cordes, le mouvement de l’archet est horizontal , il ne peut pas être horizontal sur toutes les cordes car elles ne sont pas toutes à la même distance de la table d’harmonie !!! Le coude ne reste pas à la même hauteur lors d’un changement de cordes. Le coude se déplace sur un arc de cercle fictif quand il passe de la corde la plus grave à la corde plus aigue. La transmission du poids du bras sur l’archet ne peut pas être horizontale. La technique d’archet est plus complexe qu’on peut le penser, la musicalité en dépend !!!

Et pour terminer sur une note positive et apporter mon grain à un sujet très intéressant

C’est peut-être une question bête mais il me semble que la réponse le serait beaucoup moins.
J’ai pas trouvé de fil propre à ce sujet.

On entend souvent (j’ai souvent entendu) des profs dire qu’il y en a qui ont le « truc » et pas d’autres, et quand y a « le truc » c’est génial.. ok…
Mais euh… c’est quoi ce « truc »? Pis un prof ça enseigne… ben la musique et tous les « trucs » qui vont avec, non???

Alors c’est quoi la musicalité et comment ça se développe ?
C’est l’expressivité? Mais ça vient d’où??

Le « truc », comme le suggère le titre du fil serait la musicalité mais je penche plus pour l’instinct musical et sensibilité musicale qui fait qu’un élève même débutant, va donner du sens spontané à une suite de sons sans l’intervention du professeur. A ce stade, c’est l’expression d’une musicalité spontanée qui ne demande qu’à se développer au cours de l’apprentissage avec les acquisitions technique mais aussi certains éléments du langage : nuances, phrasé, respiration… C’est génial pour les professeurs, quand certains élèves ont un instinct musical car l’élève réussit à franchir les étapes plus rapidement sans que le professeur ait besoin de trop s’investir ! Malheureusement beaucoup de professeurs ne savent pas gérer ce profil d’élève.
Pour moi, l’intuition musicale, la sensibilité musicale, musicalité sont des qualités différentes et indépendantes. L’intuition musicale relève d’une compréhension musicale personnelle et spontanée qui favorise l’anticipation et le jeu instrumental, le contact avec l’instrument. La sensibilité guide la musicalité qui se révèle lors de l’apprentissage, d’une interprétation quand l’interprète mobilise ses acquis techniques, ses qualités humaines, sa compréhension du langage musical, son intuition musicale….
Le professeur ne peut pas agir sur toutes les compétences, comme l’instinct musical, le contact inné avec l’instrument, la sensibilité humaine de son élève. Il peut développer certains domaines comme la formation musicale, la culture musicale, les acquisitions techniques qui conduisent à améliorer l’expressivité sans oublier les pratiques collectives, les activités de création et d’invention qui favorisent l’écoute et la recherche des modes de jeu.

[celime]

...
Et j’ajouterais que développer sa musicalité est d’autant plus difficile pour les musiciens de « clavier » (piano, clavecin, orgue) que pour les autres instrumentistes, je m’explique. Le musicien de clavier a d’emblée un énorme handicap par le simple aspect fonctionnel de son instrument. Le geste du pianiste est vertical, on appuie sur une touche par un geste allant de haut en bas. Ce geste est à mon avis le plus anti-musical du monde. Un clarinettiste par exemple souffle dans son instrument, souffler est une action horizontale, un violoniste a également un geste « horizontal » avec son archet. La musicalité ne peut être séparée de la notion d’écoulement du temps et donc d’horizontalité. Les instrumentistes à vent ont de plus l’obligation de faire « entendre » leur respiration et cette obligation peut devenir un atout pour faire respirer la musique, et structurer le discours. On reproche souvent aux pianistes d’ailleurs de ne pas assez laisser respirer leur musique.
...

Bonjour Cambium,

En effet, tu mets en évidence que les sons du piano sont produits à partir d'impulsions (La corde est frappée, puis "basta"). Cela nous éloigne des instruments qui permettent un contrôle prolongé du son, comme les cordes frottées, les instruments à vent (Flûte ou flûte traversière dont souffle peut être dirigé par l'instrumentiste).
Et en effet, ce geste vertical nous éloigne du chant, la voix étant sans doute le plus naturel des instruments.
La remarque que tu soulèves sur l'horizontalité et sa relation au chant et à la musicalité est très judicieuse.

[Nick Borderline]

Je dirais que le message de Cambium est de la provocation car il a testé le violoncelle. Affirmer le contraire de ce qu’il a pu constater, c’est juste inacceptable.

Merci de ton avis Kerry. Je ne sais si le point de vue de Cambium est de la provocation et je ne connais pas son expérience du violoncelle.
Cambium donne un avis sur des natures de gestes instrumentaux qu'il estime anti-musicaux par rapport à d'autres.

Je ne suis pas un spécialiste en musicologie, mais j'aurais tendance à penser que les premiers instruments dans le monde, ont été la voix et les percussions pour accompagner cette voix. Qui dit percussion, dit justement mouvement vertical vers le bas. Le piano serait à ce titre, plus un instrument percussif, qu'un instrument mélodique imitant la voix, comme la flûte. On pourra arguer que le piano vient après l'orgue qui fait les 2 puisque les touches libèrent des flûtes. Mais cette notion de rythme, et le piano me semble plus un instrument rythmique, est une composante de la musique tout aussi importante que sa composante mélodique. Ca n'est qu'une idée qui permettrait de réconcilier des points de vue.

[Oukee]

c’est fondamentalement pas pire que de raccourcir le 3e temps des valses comme on a tous tendance à faire non?

Je ne crois pas : raccourcir le 3ieme temps est une tradition, discutable, mais compatible avec le rythme fondamental de la valse. Mais ajouter un temps, c’est avoir les 2 pieds dans le même sabot.

[Barcarolle]

Une fois une amie m'a fait essayer un mélodica, c'est comme un petit piano mais avec un tube pour souffler, ce qui permet de produire le son.
Le résultat n'était pas beau mais j'ai trouvé que c'était très intéressant car cela oblige à penser à sa respiration en fonction de la musique. Au piano on peut jouer les notes même en apnée, alors que la respiration est très importante pour faire chanter la musique. Je n'ai pas joué d'autres instruments mais en tout cas au piano il y a cet effort à fournir pour faire chanter la musique tout simplement à cause de la manière dont on en joue en appuyant sur des notes.

[Sandbox]

Au piano on peut jouer les notes même en apnée, alors que la respiration est très importante pour faire chanter la musique. Je n'ai pas joué d'autres instruments mais en tout cas au piano il y a cet effort à fournir pour faire chanter la musique tout simplement à cause de la manière dont on en joue en appuyant sur des notes.

C'est Intéressant ça! C'est un exercice pratique qu'on peut essayer, à la fois pour augmenter ses capacités pulmonaires et pour voir si on arrive à faire passer des nuances ! Jouer un morceau de moins de 3 min (sauf pour les champions d'apnée...) en apnée pure !

Je plaisante mais je me souviens des premières auditions au conservatoire (avec le cérémonial très impressionnant qui va autour) où je n'étais pas loin de l'apnée, avec les jambes qui tremblaient de manière incontrôlée... toute une époque !

[kerry117]

c’est fondamentalement pas pire que de raccourcir le 3e temps des valses comme on a tous tendance à faire non?

Je ne crois pas : raccourcir le 3ieme temps est une tradition, discutable, mais compatible avec le rythme fondamental de la valse. Mais ajouter un temps, c’est avoir les 2 pieds dans le même sabot.

Et si l'on entends une valse inconnue, sans savoir que c'est une valse, jouée avec musicalité, avec un temps en plus ou un 3ème temps raccourci, peut-on dire que le résultat entendu manquera de musicalité ?

[Cambium.30]

Bonjour,

Provocation, fausses informations, irrespectueux, oulala !!!! Faut pas s’énerver comme ça ! On pratique pas des opérations à coeur ouvert ! J’ai posté 3 messages sur ce forum et tu me traites presque de menteur sans me connaître ?????

Effectivement j’ai pratiqué 10 ans le violoncelle, 10 années de geste « horizontal ». Alors c’est vrai j’avais pas de niveau à bulle sur mon archet. Et effectivement, comme tu le dis Kerry, lorsqu’un violoniste joue sur sa corde de Mi, il a presque un geste vertical d’ailleurs. Il n’empêche, dans l’approche cérébrale de son geste, le musicien pense « horizontal ». L’archet est une ligne que l’on tire (et que l’on pousse sinon je vais encore me faire engueuler) et ce déplacement dans l’espace est un voyage horizontal donc plus en adéquation avec le phrasé d’une ligne mélodique. Horizontal que j’avais déjà mis parfois entre guillemets dans mon 1er message car il faut le comprendre au 2ème degré.

Et heureusement que le clarinettiste ne tient pas non plus sa clarinette à l’horizontal, car effectivement, son jet d’air ne va pas non plus à l’horizontal, mais souffler, ou chanter, c’est utiliser l’horizontalité pour jouer, c’est un flux.

Pour le piano, Celime a même ajouté la notion d’instrument à cordes frappées. Et effectivement ça, si c’est pas de l’instantané, si c’est pas de la ponctuation, si c’est pas de la verticalité ! Et nous pianistes, nous devons reconstituer un flux avec un tas de pointillés.

A la marge cette verticalité dont nous devons avoir conscience nous pianistes pour la dépasser peut toutefois nous servir grandement sur certaines pièces de type « marche », des choses très rythmiques.

Mais bon j’arrête là, je vais laisser ce fil se dérouler sans moi car cette question n’est qu’une information parmi d’autres à prendre en compte en ce qui concerne la musicalité.

[fritz]

c’est peut-être juste une question de goût, le classique est une musique harmoniquement plus complexe et donc qui demande un peu d’initiation.

Difficile de faire des généralités mais c'est à mon avis plutôt faux ça. Je dirais que le classique cherche à exploiter toutes les possibilités d'harmonies restreintes là où la musique pop a plutôt tendance à changer d'harmonies plus souvent.

[kerry117]

Une fois une amie m'a fait essayer un mélodica, c'est comme un petit piano mais avec un tube pour souffler, ce qui permet de produire le son.
Le résultat n'était pas beau mais j'ai trouvé que c'était très intéressant car cela oblige à penser à sa respiration en fonction de la musique. Au piano on peut jouer les notes même en apnée, alors que la respiration est très importante pour faire chanter la musique.

La respiration est importante. C'est pour cette raison que ma première prof de piano demandait à ses élèves de chanter la phrase musicale avant de la jouer au piano. Le chant permet également de mieux s'approprier le phrasé.

Je n'ai pas joué d'autres instruments mais en tout cas au piano il y a cet effort à fournir pour faire chanter la musique tout simplement à cause de la manière dont on en joue en appuyant sur des notes.

Cela ne chante pas tout seul au piano, idem sur un alto ou un violoncelle. Cela demande un effort, mais avec le temps cet effort diminue car au cours de l'apprentissage on acquiert des "outils" différents qui nous permettent élargir notre palette des possibilités de jeu et de respirer et chanter sans effort.